Noticia, Oscar 2014 | La cuenta atrás | Mejor actriz protagonista - 01/03/2014 7:05:49
" Se acercan los Oscars… Mañana por la noche, durante la madrugada en España, se celebra la 86ª edición de la entrega de los premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de los Estados Unidos de América. Un auténtico espectáculo de Hollywood, con las estrellas más destacadas y los mayores talentos del curso cinematográfico 2013, y una cita ineludible para millones de cinéfilos.Tras hacer un repaso a los intérpretes nominados en las categorías de mejor actriz de reparto, actor de reparto y actor protagonista, vamos a echar un vistazo a las protagonistas femeninas. Como decía ayer, hay años donde se cuelan trabajos poco meritorios entre los finalistas al Oscar pero no es el caso de esta edición. Tanto en protagonistas masculinos como femeninos se echan en faltan nombres Emma Thompson, Ad?le Exarchopoulos… pero hay un gran nivel, cuesta señalar a los favoritos. Creo que la estatuilla, al menos en los apartados de roles principales, tiene más valor que otros años.
Amy Adams, Cate Blanchett, Sandra Bullock, Judi Dench y Meryl Streep son las candidatas. ¿Cuál de ellas será la más afortunada?
Amy Adams
Amy Adams (<3) nació en Italia hace 39 años porque su padre, soldado, era trasladado constantemente a diferentes bases militares. Cuando tenía ocho años su familia se estableció definitivamente en Colorado, donde se crió. Fue allí donde comenzó a cantar en un coro y se apuntó a danza con vistas a convertirse en bailarina. Años más tarde se dio cuenta que ser bailarina profesional no era lo suyo y se decantó por el teatro musical, sintiendo que encajaba más con su personalidad.
Su carrera como intérprete comenzó en teatros de cena, donde actuó y ejerció de bailarina, hasta que un buen día hizo una prueba para la comedia "Muérete, bonita" ("Drop Dead Gorgeous", Michael Patrick Jann, 1999) y se convirtió en su debut en el cine. Pocos años después, Steven Spielberg la fichó para la cada vez más justamente valorada "Atrápame si puedes" ("Catch Me If You Can", 2002), sin embargo, no fue hasta "Junebug" (Phil Morrison, 2005) cuando Adams empezó a llamar la atención; obtuvo con ella su primera nominación a los Oscar.
"La duda" ("Doubt", John Patrick Shanley, 2008), "The Fighter" (David O. Russell, 2010) y "The Master" (Paul Thomas Anderson, 2012) le reportaron más nominaciones y forman parte de lo mejor que ha hecho hasta el momento. Con su cautivador papel de timadora dispuesta a todo por sobrevivir en la comedia negra "La gran estafa americana" ("American Hustle", D.O. Russell, 2013), Adams aspira a ganar su primer premio de la Academia. No tiene verdaderas opciones pero sería un justo reconocimiento a una de las mejores actrices del presente.
Cate Blanchett
Nacida en Australia hace ya 44 años (!!), Cate Blanchett descubrió su vocación a raíz de participar como extra sin tenerlo previsto, en un viaje improvisado a Egipto al expirar su pasaporte en Reino Unido. En 1992 se graduaría en el Instituto Nacional de Arte Dramático y ese mismo año comenzó su carrera en el teatro, realizando en 1993 su primera obra junto a Geoffrey Rush y bajo las órdenes de David Mamet, ni más ni menos.
Tras algunas series de televisión y probar su talento en escenarios teatrales, esta prodigiosa actriz dio el salto al cine con "Camino al paraíso" ("Paradise Road", Bruce Beresford, 1997), donde tuvo un papel secundario junto Glenn Close y Frances McDormand. El mismo año compartió protagonismo junto a Ralph Fiennes en "Oscar y Lucinda" ("Oscar and Lucinda", Gillian Armstrong) y su interpretación la llevó a conseguir el que se convertiría en uno de los papeles más importantes de su carrera, la reina Isabel I de Inglaterra en "Elizabeth" (Shekhar Kapur, 1998). Con éste último logró su primera nominación al Oscar y el reconocimiento internacional y unánime.
Posteriormente la hemos podido ver encarnando con pasmosa convicción a la mismísima Katherine Hepburn en "El aviador" ("The Aviator", Martin Scorsese, 2004), papel con el que lograría la estatuilla en el apartado de mejor actriz de reparto, e incluso a Bob Dylan en "I"m Not There" (Todd Haynes, 2007). Por "Blue Jasmine", donde da vida a una mujer que intenta recuperar el control de su vida tras perderlo todo, Cate Blanchett ha ganado el Globo de Oro, el BAFTA y el galardón del sindicato de actores. Tiene su segundo Oscar al alcance de la mano.
Judi Dench
Inglesa de pura cepa, nacida en York hace 79 años, Judi Dench debutó en el teatro en 1951 interpretando a Ofelia en "Hamlet". En su tierra se ganó la reputación como una de las mejores actrices del periodo de la post-guerra, sobre todo por su trabajo en el teatro, que ha sido siempre su pasión. En 1961 se unió a la famosa Royal Shakespeare Company y poco después le vino uno de sus mayores éxitos sobre las tablas interpretando a Sally Bowles en "Cabaret" (1969), papel que hizo célebre Liza Minneli en su versión cinematográfica.
No cesó su trabajo para el teatro en años posteriores, intercalado con papeles para televisión, donde estrenó varias obras importantes. En 1985 dirigió a Emma Thompson y Kenneth Branagh quien más tarde la contrataría para "Enrique V" ("Henry V", 1989) y "Hamlet" (1996) en la versión teatral de "Mucho ruido y pocas nueces", y le llegó su primer papel importante para el cine en el drama romántico "Una habitación con vistas" ("A Room with a View", James Ivory). Fue nombrada Dama del Imperio Británico como reconocimiento a su carrera en 1988. Dench acumula ya siete nominaciones al Oscar, premio que obtuvo por un brevísimo pero memorable papel en la sobrevaloradísima "Shakespeare in Love" (John Madden, 1998).
En "Philomena" (Stephen Frears, 2013), drama basado en hechos reales que acaba de llegar a nuestras carteleras, da vida una enfermera jubilada en busca de un hijo que unas malvadas monjas (ejem) le arrebataron cinco décadas atrás. Es una historia de las que emocionan fácilmente al público y ella ofrece otra interpretación magistral. No parece rival para Blanchett pero todos aplaudiríamos si ganara su segundo Oscar.
Meryl Sreep
De ascendencia alemana, inglesa y suiza, Meryl Streep nació en Nueva Jersey hace 64 años. Mientras estudiaba para el Máster en Bellas Artes en la Escuela de Drama de la Universidad de Yale, actuó en varias obras de teatro. Al acabar, siguió un tiempo en los escenarios realizando obras en Broadway que le reportaron alguna nominación a los premios Tony y otros premios del mundillo. Su debut en el cine llegó con un pequeño pero fundamental papel en "Julia" (Fred Zinnemann, 1977), compartiendo escena junto a Jane Fonda y Vanessa Redgrave.
En la década de los 70 tuvo un par de interpretaciones claves para su carrera. Una de ellas fue en "El cazador" ("The Deer Hunter", Michael Cimino, 1978), donde pudo estar al lado de su por entonces pareja John Cazale, diagnosticado de cáncer óseo y fallecido el mismo año de su estreno. Consiguió su primera nominación a los Oscar como actriz de reparto gracias a un film extraordinario que mejora con el tiempo. Un año más tarde, muy entregada en su interpretación de una madre que abandona su hogar en "Kramer contra Kramer" ("Kramer vs. Kramer", Robert Benton, 1979), aportó su propia visión haciendo que reconstruyeran por completo su personaje, llegando a escribir dos de los diálogos con más importancia. Levantó su primer Oscar.
Ya en los "80 llegaría su consagración. Desde "La mujer del teniendo francés" en 1981 ("The French Lieutenant"s Woman", Karel Reisz) protagonizada junto a Jeremy Irons, no paró de cosechar éxitos. Su dramática interpretación y perfecto acento polaco en "La decisión de Sophie" (Sophie"s Choice, Alan J. Pakula, 1982); las románticas "Enamorarse" (Falling in Love, Ulu Grosbard, 1984) y "Los puentes de Madison" (The Bridges of Madison County, Clint Eastwood, 1995); o el drama con tintes religiosos "La duda" ("Doubt", John Patrick Shanley, 2008) son solo algunos de sus trabajos más destacados.
Sandra Bullock
Terminamos con la que sobra. Bueno, mejor dicho, y para ser justo, con la peor actriz y la peor interpretación de las cinco. Y os lo dice alguien que incluyó "Gravity" (Alfonso Cuarón, 2013) entre los mejores estrenos del año pasado. Disfruté el trabajo de Sandra Bullock en un espectáculo asombroso, posiblemente el film con el efecto 3D más logrado hasta la fecha, pero si se la compara con las otra cuatro rivales que tendrá la noche del domingo, sinceramente, no merece estar en la recta final. Mucho menos lograr la estatuilla.
Porque además sería la segunda en su carrera para una actriz limitada, de cine comercial, con una filmografía repleta de tontas comedias y cursis relatos coronada con un inmerecido Oscar por "Un sueño posible" ("The blind side", John Lee Hancock, 2009), título blandito y olvidable donde los haya.
La primera intención de esta mujer a punto de cumplir los 50, que toca el piano desde niña y tiene la doble nacionalidad americana/alemana, fue estudiar música, pero lo dejó para matricularse en interpretación, en 1982. Se trasladó a Nueva York, donde trabajó de camarera mientras acudía a audiciones. Su debut llegó con "En la cuerda floja" ("Hangmen", J. Christian Ingvordsen, 1987), estrenada directamente a vídeo. Tras varias apariciones en televisión y papeles menores, le llegó la fama con la película "Speed" (Jan de Bont, 1994) junto a Keanu Reeves. Desde entonces no ha mejorado mucho, dejando solo algunas escenas inspiradas de vez en cuando, como en "Gravity", por la que se ha embolsado 70 millones de dólares. Premio más que suficiente.
En Blogdecine | Encuesta de la semana: Oscar 2014
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Que opina? Cómic en cine: Men in Black, de Barry Sonnenfeld - 25/02/2014 3:04:58
" Que el mercado estadounidense del cómic es un Universo en sí mismo es algo de lo que no es complicado apercibirse si uno se hace con cualquier ejemplar del Previews el catálogo mensual que utiliza la industria yanqui para que las tiendas soliciten con tres meses de antelación los cómics que van a vender y da cuenta de las muchas páginas que estos "listines teléfonicos" dedican a un vasto panorama editorial que va mucho más allá de DC, Marvel e Image, por citar a las tres "grandes".Derivado de la impresionante cantidad de pequeñas empresas que mes a mes publican dos o tres títulos y que sobreviven no se sabe muy bien cómo el mundo editorial estadounidense está siempre sujeto a cambios en las propiedades de los derechos sobre ciertos personajes o a compras de un pequeño sello que tiene un producto más o menos atractivo, por parte de otros con mayor presencia mensual capaces de garantizar a los autores mejores dividendos por su trabajo.
"Men in Black", un cómic independiente
Y ese fue precisamente el caso de "Men in Black", un cómic que dió alguna que otra vuelta antes de terminar adaptado al cine en 1997 y cuya andadura comenzó en una minúscula editorial canadiense llamada Aircel que, operativa entre 1985 y 1994, sirvió de primer trampolín de salida en 1990 a la creación de Lowell Cunningham y Sandy Carruthers, un título que en esta primera encarnación llegaría sólo a alcanzar tres números que, no obstante, servían para marcar el tono de la historia.
Idea que se le había ocurrido a Cunnigham tras una conversación mantenida con un amigo aficionado a la ufología, "Men in Black" se hace eco de la leyenda urbana estadounidense de los hombres de negro, unos supuestos agentes gubernamentales en lo más alto de la cadena cuyas funciones pasan por acallar aquellas voces que clamen haber tenido un encuentro en alguna de las fases que marca la escala de Hynek.
Muy diferente a lo que terminaríamos viendo en los cines, el tono de la serie de cómics era bastante más violento, no limitándose los hombres de negro imaginados por Cunnigham tan sólo a la investigacíón de "hombrecillos verdes" sino a toda actividad de corte paranormal que pudiera darse en suelo estadounidense, utilizando el asesinato como arma disuasoria si así lo creían conveniente.
"Men in Black", a mayor gloria de Will Smith
Problemas económicos llevarían a Aircel a ser adquirida en 1988 por Malibu Cómics, sello bajo el que vería la luz una segunda miniserie de tres números y que, a su vez, sería adquirido por Marvel en 1994. Pero dos años antes de que ésto sucediera, Malibu ya había vendido los derechos de "Men in Black" a Walter F. Parkes y Laurie MacDonald, los futuros productores que, junto a la vital intervención de Steven Spielberg y Amblin, serían los responsables de su adaptación cinematográfica.
Contratando a Ed Solomon como guionista para llevar a cabo una adaptación lo más fiel posible al material original publicado en los seis cómics que habían llegado a ver la luz en forma impresa, resulta curioso que el producto final firmado por Barry Sonnenfeld se parezca tanto a éstos como la Catwoman de Pitof a la Selina Kyle de las viñetas…que ya es decir.
No es que ésto último sirva para desacreditar el trabajo de Solomon considerando que los primeros borradores del libreto sí que se acercaban bastante a lo que se había podido ver editado, pero las constantes injerencias de fuerzas externas terminaron por provocar un total alejamiento de lo que el guionista pretendía inicialmente, y desde cambios en el color de piel del protagonista, hasta la completa eliminación de cualquier referencia a la actividad de los Men in Black que no fuera la de estar dedicados a la caza y captura de marcianos, la cinta adulteró tanto el producto, que al final terminó careciendo de una personalidad que podría haberlo convertido en algo más que el limitado divertimento que es.
Puesto en manos de Barry Sonnenfeld, que había encandilado a los productores con sus dos incursiones en el imaginario de la familia Addams, "Men in Black" (id, 1997) se convierte en un circo de varias pistas del que Will Smith sirve de absoluto maestro de ceremonias: tras un prólogo que marca el tono bufo y desenfadado por el que se moverá la trama, la presentación del personaje de Smith corriendo por las calles de Nueva York tras un criminal que resulta ser un extraterrestre con "disfraz" humano, deja muy claro quién va a ser aquí el rey del mambo.
Tanto es así, que la siempre estimulante presencia de Tommy Lee Jones queda aquí sujeta a servir de "punch ball" de lo que se destina al personaje de Smith, aunque la natural sorna del actor y sus caústicas formas interpretativas consiguen ganarle la "batalla" a su compañero de reparto en no pocas ocasiones, conformándose K como lo mejor de 98 minutos que, si se pasan volando, es por mor de una acción que no da descanso alguno, algo de agradecer cuando el McGuffin que lo mueve todo es de una eficacia, como mucho, limitada.
Poniendo Danny Elfman el acento mediante su composición en el carácter burlesco de todo el conjunto, Rip Torn la necesaria nota sarcástica que unir a la de Lee Jones, y algún que otro chiste "inteligente" suelto ese panel de los humanos que en realidad no lo son el humor con el que compensar las típicas chorradas del Smith de los noventa, las sensaciones que "Men in Black" dejó en su momento en el que esto suscribe nada tienen que ver con la gargantuesca taquilla que logró la cinta a nivel mundial.
Si de algo hablan esos cerca de 600 millones que el filme recaudó, y si en algo vuelven a incidir sus dos muy inferiores secuelas, es en que el público de hace diecisiete años abrazó sin arredros una propuesta que a servidor hizo limitada gracia en su momento y ha dejado similares sensaciones en el revisionado llevado a cabo de cara a esta entrada. Sigo pues sin entender qué pudo ver tantísimo público en un filme que, en términos coloquiales, me ha parecido siempre una "pamplina", todo lo bien facturada que queráis, pero una pamplina a fin de cuentas.
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Que opina? Ridley Scott: Alien, el octavo pasajero, la obra maestra - 31/01/2014 3:30:23
" A medio camino de desarrollar un proyecto sobre "Tristán e Isolda" que quedaría postergado sine die hasta que, casi treinta años después, lo retomara como productor en aquél olvidable filme dirigido por Kevin Reynolds y protagonizado por James Franco y Sophia Myles, Ridley Scott se encontró casi de casualidad con una producción que estaba llamada a colocarlo de la noche a la mañana y a escala planetaria en boca de unos entusiasmados cinéfilos que veían como el cineasta daba un salto de gigante con respecto a "Los duelistas" ("The Duellists", 1973) y se encumbraba como un referente ineludible de la ciencia-ficción cinematográfica contemporánea a caballo entre los formalismos estéticos del Kubrick de "2001: una odisea en el espacio" ("2001: A Space Odissey", 1968) y el sentido del espectáculo y lo comercial que George Lucas y Steven Spielberg habían desarrollado respectivamente en "La guerra de las galaxias" ("Star Wars", 1977) un filme que tuvo singular protagonismo en la decisión de Scott de rodar el que hoy nos ocupa y "Encuentros en la tercera fase" ("Close Encounters of the Third Kind", 1978)."Alien, el 8º pasajero" ("Alien", 1979) cerraba una década en la que la ciencia-ficción como ya iremos viendo en el ciclo que le estamos dedicando había pasado de la búsqueda de una identidad que supiera estar a la altura de lo que Kubrick había impuesto con su magistral aproximación al género, a evolucionar de un modo inesperado en pos fórmulas que anunciaban el viraje hacia el espectáculo de masas al que buena parte de la producción anclada al sci-fi iba a rendirse una vez entrados los ochenta. Pero antes de que eso ocurriera, y queriendo postularse en unas actitudes que navegaran por senderos más o menos inexplorados, maclando los patrones del género con los del cine de terror, Ridley Scott firmaba una cinta fascinante, intensa, oscura, un prodigio de la narración, del diseño de producción y de la música que lleva treinta y cinco años huyendo sin despeinarse a ese paso del tiempo que tan mal ha sentado a otras propuestas muchísimo más recientes…incluso firmadas por él mismo no hace ni veinticuatro meses…
Con gran cantidad de literatura y los indispensables extras y documentales que acompañan a su imprescindible edición en Blu-ray o en su defecto, en DVD, y por más que durante breves momentos estuve planteándome el dar a esta entrada la estructura que han tenido otros artículos firmados por servidor en los que se rendía prolongada pleitesía a todo aquello que tenía que ver con la gestación y producción del filme en cuestión, he decidido centrar mi atención de cara a "Alien" en valorar de forma más o menos extensa, y del modo más personal posible, todo aquello que, con el paso del tiempo y los constantes revisionados de esta asombrosa obra de arte me han llevado, y siguen llevando a afirmar con contundencia que, a la hora de hablar de ella, sólo lo podemos hacer en términos de Obra Maestra del séptimo arte.
Espacios y formas para el terror
Nunca me habían gustado las cintas de terror porque, en última instancia, siempre se trataba de un tipo en un traje de goma. Bueno, sólo hay una manera de tratarlo. Lo más importante en un filme de este tipo no es lo que ves, sino lo que crees haber visto.
Ridley Scott
Pocas dudas pueden haber a la hora de aproximarse a un análisis valorativo de "Alien" acerca de que un alto porcentaje de la efectividad de lo que Scott termina consiguiendo plasmar en celuloide se debe a la acción directa de lo que el maravilloso diseño de producción de la cinta llega a concretar, ya estemos hablando aquí de lo que respecta a los muy diversos espacios que Ron Cobb planteó para componer la Nostromo como de lo que compete de forma exclusiva a la forma en la que H.R.Giger ideó al monstruo en sus diferentes etapas de crecimiento, instilando un terror imperceptible en el espectador gracias a la conjunción de ese orgánico y sexual aspecto que le confería el artista suizo con la forma en la que la cinta lo muestra en pantalla mediante fugaces planos que nunca llegan a dejarnos vislumbrar en su totalidad el asombroso trabajo que el oscuro y peculiar autor consiguió junto a Carlo Rambaldi responsable éste de lengua retráctil de la criatura.
Fascinante es también, y ya no sólo estamos hablando de aquello que es responsabilidad del diseño, la clara diferenciación que Scott y Derek Vanlint, el director de fotografía del filme, establecen entre las estancias asépticas de ese camión espacial que son el comedor y la enfermería en contraste con lo sucio y aterrador del resto de la Nostromo, compuesta como está de pasillos herrumbrosos llenos de cables y tuberías y ahogados por la plomiza y húmeda atmósfera con la que se caracterizan esos idóneos lugares para que el Alien campe a sus anchas. Aumentando la precisa narrativa de Scott, de la que no sobra ni un sólo plano, lo que del miedo natural hacia dichos espacios dimana del espectador, las escenas de la búsqueda del xenoformo por esos asfixiantes corredores y todo ese tramo final iluminado por la intermitencia de las luces de emergencia quedaron establecidos de forma inmediata como patrones sobre los que el género volvería una y otra vez en tiempos posteriores.
En el vacío SÍ hay sonidos
Unido a un diseño sonoro soberbio que hace del cadente latir de los motores de la Nostromo uno de los elementos indisolubles en la concreción de las muchas sensaciones de angustia que se derivan del visionado de "Alien", el trabajo de Jerry Goldsmith para los 117 minutos de metraje es uno de los factores fundamentales que convierten a la cinta de Scott en la extrema experiencia que termina siendo. Aún mutilada por un cineasta que inicialmente casi había obligado a la Fox para lo contratara a instancias de la fascinación que sentía por las sonoridades de "Freud" (id, John Huston, 1962) una banda sonora que, irónicamente, determinaría mucho del montaje sonoro final del filme, la partitura de Goldsmith es una de las más comprometidas con las imágenes que debía acompañar que el maestro llegó a componer a lo largo de su magnífica trayectoria.
Diametralmente opuesta al rescate de la opulencia sinfónica clásica que su amigo John Williams había llevado a cabo para dar empaque a las aventuras en aquella galaxia muy, muy lejana, la sobriedad en la utilización de instrumentos que ostentan los pentagramas de Goldsmith provocan la completa deshumanización de la cualidad sonora del filme, algo que ya habíamos podido observar "El planeta de los simios" ("Planet of the Apes", Franklin J.Schaffner, 1968) y que, a través de los sugerentes usos de la cuerda y el viento o la fría precisión del metal a la hora de describir las andanzas del extraterrestre a bordo de la nave, acerca a la cinta a una estrecha comunión con el miedo a lo desconocido y al vacío propios del espacio exterior.
Siete eran los diez negritos
(Pequeño spoiler) Ripley, Lambert, Dallas, Ash, Kane, Parker y Brett. Siete nombres que conforman una tripulación a la que Dan O"Bannon con la ayuda no acreditada de David Giler y Walter Hill dotó de tanta vida que resulta improbable que "Alien" hubiera sido el mismo filme de no haber contado con un rosario tan amplio y bien diferenciado de personalidades. Un muestrario que funciona tanto por la interacción de lo que Sigourney Weaver, Veronica Cartwright, Tom Skerrit, John Hurt, Yaphett Kotto y Harry Dean Stanton ponen en juego con sus constantes puyas, y perfilados comportamientos, como por la contraposición de los seis humanos cuando tienen que vérselas con la frialdad calculadora de Ash, ese androide al que Ian Holm insufla tan terrorífica vida. (Fin spoiler)
Como ya sucediera con la forma en la que rueda la Nostromo, convirtiéndola en un silente e imposible noveno pasajero, Scott es el directo responsable de que el libreto de O"Bannon y lo que éste dedica a la definición del alien funcione en tan espectaculares formas: rodando la práctica totalidad de lo que a los personajes concierne desde un punto de vista externo, la subjetividad propia del género de terror queda aquí reducida a los momentos de mayor impacto, y el recurso del cineasta de mostrar las reacciones de los personajes cuando interactúan con el extraterrestre es de una eficacia suma en secuencias puntales como los ataques a Brett, Dallas y Lambert o, cómo no, la del nacimiento del chest-burster, uno de los instantes más truculentos, espectaculares e inolvidables de los que el cine de género nos ha dejado a lo largo de la historia.
El genio de la luz…y las tinieblas
Aunando todo lo anterior, conjugando factores que en muchos casos ya hubieran elevado el filme por si sólo a la categoría de notable, orquestando una función que y disculpen la frase manida no hubiera sido igual de no haber contado con él, y pariendo una temprana obra maestra con su segundo cargo como director, Ridley Scott sigue explorando en "Alien", y seguirá explorando a lo largo y ancho de su carrera las muchas y muy asombrosas posibilidades que el moldeado de la luz otorga a la creación de ambientes: combinado aquí con todas las herramientas a su alcance, las citadas secuencias de la persecución por los pasillos o el clímax, unidas a otras como la entrada en la nave alien o los también nombrados ataques del xenomorfo, son todos ejemplos de una espectacularidad sin par que demuestran que, a sus 42 años, y con todo el bagaje publicitario que arrastraba, Scott era ya un cineasta consumado.
Un hecho que también rubrica el magnífico uso de las elipsis a lo largo de la acción digno de estudio como va resolviendo los minutos posteriores al ataque del facehugger, la precisa dirección de actores, en cuya elección jugó un papel determinante el cineasta por su voluntad de contar con un grupo de profesionales en los que poder confiar más de la cuenta para así poder centrarse en otras tareas o, cómo no, la asombrosa y paradójica simbiosis que se da entre el carácter letánico inherente a la personalidad del filme y el ritmo imparable que Scott confiere al conjunto, no permitiendo que la desazón del espectador disminuya un ápice durante las dos horas de metraje.
Por todo ello, y por todo aquello que siempre se queda entre líneas y que uno se guarda por la dificultad de expresarlo con palabras, "Alien, el 8º pasajero" ha sido, es y siempre será, una obra maestra del séptimo arte y cima temprana de un director que, no obstante, escalará semejantes alturas con su siguiente producción, una a la que dedicaremos líneas igualmente sentidas la próxima semana y que se establece junto al presente hito cinematográfico como piedra angular de toda una forma de hacer cine sobre la que, desafortunadamente, Ridley Scott nunca ha llegado a volver.
Otra crítica en Blogdecine
"Alien", el terror de lo desconocido
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Es Noticia, Recomendaciones cinéfilas para aprovechar las rebajas - 14/01/2014 6:14:30
" Tras la vorágine consumista de las fiestas navideñas y los Reyes Magos arrancó en nuestro país el periodo de Rebajas. Que es como la llegada del Apocalipsis pero sin la amenaza del fin de la humanidad bueno, según se mire. La gente corre, grita, golpea, enloquece, en un desesperado intento por sacar el mayor partido posible a las ofertas. A seguir gastando y acumulando cosas en casa. Tener la oportunidad de adquirir productos mucho más baratos de lo habitual y no llevárselos. No es español.Cuesta no caer en la tentación. Lo mejor es quedarse en casa. Si sales, serás infectado. Alguna oferta te llevará a echar mano de la cartera. Inevitable; si paseas por las estanterías de la sección de Blu-ray y DVD, el corazón se acelera enseguida con carteles de rebajas al 30%, al 50%, "llévese tres y pague solo dos"… Uf. Posas la mirada en las novedades, los clásicos, esas ediciones especiales que piden a gritos unirse a tu colección. Repasas las carátulas, primero lentamente, de manera descuidada, como quien solo está mirando por curiosidad… hasta que encuentras algo que necesitas llevarte a casa. Se queda en tus manos. Sigues mirando. Y piensas que desaprovechar estos precios es absurdo, que ya no compras tanto como antes, que un día es un día… La caza ha comenzado. Para facilitaros la misión, y no perdáis más tiempo del necesario entre el furioso gentío, he pensado que os podría resultar útil una guía de sugerencias, películas y packs para todos los gustos y carteras.
Antes de pasar al meollo del asunto, os comento sitios donde podéis encontrar ofertas interesantes. En Amazon tenéis un 4?20? en una selección de DVDs y un 4?30? en una lista de Blu-rays lo suficientemente amplia como para quedaros con ganas de pillar más. En Fnac hay una promoción de 3?2 en cine, pero ojo, regalan la unidad más barata, como suele ser habitual debería ser una media de los tres precios, ¿no creéis?. En DVDGo han establecido un descuento del 30% en una amplia selección de títulos y tenéis un 2?1 en películas Blu-ray de la Warner. Por último, en El Corte Inglés hay montones de DVDs a 5?, su colección de clásicos imprescindibles en DVD al mismo precio, un descuento del 20% si te llevas dos unidades y un 35% si adquieres tres o más. CUIDADO porque muchas de estas ofertas acaban en febrero. Por no hablar de que se acaben las existencias de los títulos más deseados… Y vamos ya a ello.
Imagino que a estas alturas todos tendréis, al menos, una de las dos trilogías de "Star Wars", pero si no es el caso podéis aprovechar esta oportunidad para llevaros a casa vuestros episodios favoritos de la saga galáctica. El año que viene llegará uno nuevo dirigido por Abrams y habrá ganas de repasar la saga entera, ¿verdad? En torno a 30 euros cuesta cada una de las trilogías por separado y el pack completo con tres películas infantiles innecesarias sale por unos 80?.
"X-Men Saga: Colección Adamantium". Pack que incluye las seis películas de la franquicia "X-Men", "X-Men 2", "X-Men 3: La decisión final" ("X-Men: The Last Stand"), "X-Men Primera Generación" ("X-Men: First Class"), "X-Men Orígenes: Lobezno" ("X-Men Origins: Wolverine") y "Lobezno Inmortal" ("The Wolverine") más un artículo de coleccionismo para frikis: las garras de lobezno. Cuesta en torno a 100?.
Edición coleccionista de "La lista de Schindler" ("Schindler"s List", Steven Spielberg, 1993). A veces pasa que compras películas que te han gustado y vas dejando para más adelante otras que te encantan. Somos raros. Si aún no tienes en tu colección este título, uno de los más destacados de la década de los 90, puedes aprovechar este pack, que incluye chorradillas como carteles y postales para justificar un precio que ronda los 40?.
Pack con "Star Trek" (J.J. Abrams, 2009) y "Star Trek en la oscuridad" ("Star Trek into Darkness", J.J. Abrams, 2013). Puro entretenimiento para seguidores de la saga y nuevos fieles. El precio normal ronda los 30?.
Pack "Jack Ryan". Aprovechando el próximo estreno de la nueva entrega, protagonizada por Chris Pine, quizá os interese adquirir los cuatro anteriores títulos de la saga; podéis encontrar el artículo por menos de 30 euros. Personalmente, solo me llevaría las dos primeras La caza del Octubre Rojo" ("The Hunt for Red October", John McTiernan, 1990) y "Juego de patriotas" ("Patriot Games", Phillip Noyce, 1992) pero las otras siempre pueden servir para nivelar alguna mesa…
"El llanero solitario" ("The Lone Ranger", Gore Verbinski, 2013) en estuche metálico. Una gran aventura para todos los públicos, divertida y nostálgica con un problema de duración, disculpable. Ronda los 25?.
Blu-ray en estuche metálico y banda sonora de "Django desencadenado" ("Django Unchained", Quentin Tarantino, 2013). El esperado western de uno de los cineastas más creativos de las últimas tres décadas. Hay pocas unidades circulando, el precio varía aproximadamente entre 40 y 50 euros.
Pack "El Señor de los Anillos: Trilogía" con las versiones extendidas. 15 discos nada menos 6 Blu-ray y 9 DVD incluye esta completa edición, imprescindible para los fans de las adaptaciones de J.R.R. Tolkien que está llevando a cabo Peter Jackson. Cada vez que reviso estas películas me gustan un poco menos pero siempre me emociono con algunos instantes gracias al reparto. Sale por unos 80 euros, 50 más que si elegís el pack con los montajes que se estrenaron en cines.
Edición "montaje final" de "Blade Runner" (Ridley Scott, 1982). Otro título que debe estar en la colección de todo cinéfilo. Puede que te parezca una joya o que la consideres sobrevalorada pero sus imágenes han dejado huella en la memoria del público y han influido en la ciencia-ficción posterior. Por otro lado, los audiocomentarios son útiles para todo el que esté interesado en la creación cinematográfica. Sin rebajas u ofertas podéis encontrar este artículo a 18?.
Pack "Prometheus To Alien" en Blu-Ray. La franquicia de Alien compuesta de momento por 5 películas orquestadas por Ridley Scott, James Cameron David Fincher y Jean Pierre-Jeunet. Sale por unos 35 euros. Una saga muy irregular, pero incluye dos obras maestras y en todas hay escenas memorables. Sí, en la última también. El homenaje a "Lawrence de Arabia", la extracción del bichillo…
"The Master" (Paul Thomas Anderson, 2012). Imprescindible. La mejor película estrenada en España el año pasado. El precio, en este caso, es irrelevante.
Para concluir, puede que busquéis un clásico para compensar tanto título moderno, o quizá para probar algo diferente, pues me consta que muchos os quedáis con los estrenos que se comparten en Internet. En ese caso, mi recomendación es que os llevéis "El hombre que mató a Liberty Valance" ("The Man Who Shot Liberty Valance", John Ford, 1962) en Blu-ray. Cuesta unos 10-15 euros y es una maravilla llena de momentos irrepetibles. De las que vuelves a ver y cada fotograma, cada diálogo, te eriza la piel.
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Interesante, Robert Zemeckis: Tras el corazón verde, larga fue la sombra de Indiana - 19/08/2013 8:20:39
" Soy plenamente consciente de que empezar con una afirmación tan obvia es algo que podría haber evitado de habérmelo propuesto, pero allá va: en una década en la que el "clonado" de éxitos de taquilla estuvo al orden del día, no fue de extrañar que aquella idea que se les había ocurrido a Steven Spielberg y George Lucas a finales de los setenta mientras hacían castillos en la arena de las playas de Hawai, y que se había terminado materializando en la magistral "En busca del arca perdida" ("Raiders of the Lost Ark", 1981) para el que esto suscribe, la mejor cinta de la trilogía; sí, de la trilogía, no hace falta decir más, fuera copiada hasta la saciedad en los años inmediatamente posteriores a su estreno por títulos todos que no han perdurado más allá de su mero carácter de descarada copia.Es por este motivo que hay que valorar en su justa medida el tercer largometraje que se ponía en manos de Robert Zemeckis como uno de los pocos "clones de combate" de Indiana Jones que supo hacer algo diferente, adhiriéndose al género de aventuras y acción que de forma tan excelsa había resucitado Spielberg pero sin que pareciera, al menos no de forma descarada, que habían cambiado al héroe del látigo y el Fedora por uno de otro nombre pretendiendo hacer creer al público que estaban viendo una película diferente. "Tras el corazón verde" ("Romancing the Stone", 1984) lo es diferente, quiero decir aunque ello no implique que todo en esta alocada y aventurera comedia sea digno de elogio.
A la finalización del rodaje de "Frenos rotos, coches locos" ("Used Cars", 1980), el primer movimiento de Zemeckis y Bob Gale fue la escritura y búsqueda de financiación para "Regreso al futuro" ("Back to the Future", 1985), una historia que ambos artistas pretendían vender a la Universal pero que no lograron colocarle a la major por meras cuestiones de experiencia: los ejecutivos de la productora consideraban que un filme de la entidad del que terminarían llevando a cabo cinco años más tarde todavía estaba fuera del alcance del norteamericano y este se vió de repente sin ningún proyecto entre manos que poder firmar.
Y así pasarían tres años en blanco hasta que en 1983 Fox confiara inicialmente en el para poner en pie "Cocoon" (id, Ron Howard, 1985) un filme de entidad que podría haber supuesto el salto definitivo en la trayectoria del realizador de no haber sido porque un tal Michael Douglas se empeñó en que fuera él quien se colocara al frente de una producción de acción y aventuras de ritmo frenético que estaba tratando de levantar como productor y protagonista. Alguien en Hollywood le había hablado de Zemeckis, de sus dos filmes anteriores y del hecho de que habían sido respaldados por Spielberg, motivo éste último más que suficiente para que Douglas se pusiera en contacto con el realizador y lo convenciera para dirigir una cinta en la que la 20th Century Fox invertiría unos 10 millones de dólares y para la que el "hijo de Espartaco" se empeñaría en contar con Kathleen Turner como co-protagonista.
Ambos intérpretes, junto a Danny DeVito, le deben muchísimo a "Tras el corazón verde", ya que fue la cinta la que encarriló unas carreras que casi acababan de comenzar. Douglas no había tenido la oportunidad de demostrar que podía salir de la alargada sombra de su progenitor más que en algún momento puntual de "El síndrome de China" ("The China Syndrome", James Bridges, 1978), donde quedaba relegado a un segundo plano cada vez que aparecía junto a Jack Lemmon o Jane Fonda. Con su explosivo papel en "Fuego en el cuerpo" ("Body Heat", Lawrence Kasdan, 1981), Turner conseguía el reconocimiento de los BAFTA y el Globo de Oro, pero estaba a la espera de un filme que le permitiera interpretar más allá de las esbelteces de su anatomía. En lo que a De Vito respecta, este iba a ser su primer rol de relevancia tras muchos papeles secundarios y el responsable de cimentar todo lo que haría después.
Y ya que estamos con primeras oportunidades, "Tras el corazón verde" será el punto de partida de una relación que se ha perpetuado hasta nuestros días y que nos ha dejado a los amantes de la música de cina inolvidables momentos. Hablo, cómo no, de la que Robert Zemeckis ha mantenido desde el filme con el compositor Alan Silvestri, único músico que ha puesto sonoridades a la trayectoria cinematográfica del realizador desde 1984 y que aquí, aún bastante bisoño, escribe un score animado y con orquestaciones muy exóticas que, no obstante, carece de la relevancia temática que sí tendrán posteriores trabajos junto al cineasta.
Cine de aventuras sin mayor pretensión que la de divertir, entretener y hacer reír sin caer casi nunca en el tipo de comedia facilona que eran sus dos filmes anteriores "Tras el corazón verde" permite a Zemeckis volver a dar una lección de temprana autoridad en lo que a sus modos narrativos se refiere, jugando el director de forma brillante con el ritmo, el montaje y la claridad a la hora de exponer las persecuciones que animan una historia que sigue a una timorata escritora de noveluchas de amor y aventuras que, incapaz siquiera de "subir las escaleras mecánicas de Bloomingdale"s", tendrá que atender a las suplicas de su hermana, envuelta en un turbio asunto en Colombia, y viajar al país sudamericano portando un misterioso mapa para, entregándolo a sus captores, evitar que la maten.
Con este arranque de mediana originalidad, el guión de Diane Thomas nos presenta, una vez Joanie está en Colombia, al héroe de la función, un Michael Douglas sarcástico y derrochador de chulería al que, no obstante le falta algo de carisma para poder ganarse al público como lo hacía aquél al que sin duda pretende emular. Toda vez ambos personajes están juntos, la trama comienza a aquejar una falta cada vez más acuciante de garra que ni los actores, ni lo forzado del humor atención a la aparición de Alfonso Arau ni ese villano tan acartonado que encarna Manuel Ojedo son capaces de arreglar, y al final el filme se queda en un correcto intento de hacerse eco de las aventuras de Henry Jones Jr. sin llegar, no cabe duda, a la altura de lo logrado por Spielberg.
Respaldado por sus 76 millones de recaudación y por una nominación al Oscar al Mejor Montaje, Zemeckis encontraba con "Tras el corazón verde" el impulso que le faltaba para convencer a la Universal de que esa historia de coches que viajan en el tiempo, hijos que conocen a sus padres cuando eran jóvenes y paradojas capaces de destruir el universo era algo más que un sueño fuera de su alcance…
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Interesante, Elysium, la película - 09/08/2013 11:24:07
" Los amantes del cine de ciencia ficción están de enhorabuena durante este mes de agosto de 2013, ya que ha sido el momento elegido para que se estrenen en España dos grandes producciones que han adoptado dicho género con finalidades muy distintas. La primera en llegar será "Pacific Rim" (id, Guillermo del Toro, 2013), mastodóntica cinta en la que robots gigantes controlados por humanos tienen que hacer frente a monstruosos invasores alienígenas.La última cinta de Guillermo del Toro no ha funcionó demasiado bien en la taquilla americana ,aunque le está yendo mucho mejor en el resto del planeta-, pero se espera que "Elysium" (id, Neill Blomkamp, 2013) no se una a la lista de decepciones comerciales de este verano. Contando con un presupuesto que ronda los 100 millones de dólares la mitad de lo que costó "Pacific Rim", "Elysium" cuenta con la ventaja añadida de tener a Matt Damon liderando el reparto de este segundo largometraje de Neill Blomkamp que aspira a convertirse en uno de los grandes éxitos del año cuando se estrene, algo que tendrá lugar este mismo viernes en Estados Unidos, mientras que en España tendremos que esperar hasta el 16 de agosto.
El argumento
En el año 2159 existen dos tipos de personas: los muy acaudalados, que viven en una estación espacial artificial e inmaculada llamada Elysium, y el resto, que vive en la Tierra, superpoblada y en ruinas. La Secretaria Delacourt no se parará ante nada para preservar la lujosa forma de vida de los habitantes de Elysium. Pero eso no impedirá que la gente de la Tierra intente con todas sus fuerzas entrar en la estación. Max acepta liderar una misión en la que se jugará la vida, pero que servirá para igualar estos dos mundos opuestos.
El director
Nacido en Sudáfrica el 17 de septiembre de 1979, Neill Blomkamp conoció a Sharlto Copley a la edad de 16 años, iniciándose entonces una próspera relación profesional que aún hoy perdura pese a que el primero se mudó a Canadá junto a su familia apenas dos años después. Tuvieron que pasar otros siete hasta que rodara "Tetra Vaal", su primer cortometraje antes había rodado un puñado de spots publicitarios, pero fue en 2006 cuando empezó a llamar la atención de Hollywood al rodar tres cortometrajes "Alive in Joburg", "Yellow" y "Tempbot" que le permitieron obtener la posibilidad de rodar varias piezas que completaron el lanzamiento del videojuego "Halo 3".
Fue Peter Jackson quien vio algo en él y decidió apadrinar su candidatura para dirigir la adaptación cinematográfica de "Halo", pero los problemas para conseguir el presupuesto necesario hicieron que el primero decidiese producir "District 9" (id, 2009), expansión al largometraje de los temas ya explorados en "Alive in Joburg". La película maravilló a medio mundo, consiguiendo que su recaudación mundial multiplicase por siete su contenido presupuesto de 30 millones de dólares e incluso siendo nominada al Oscar de mejor película. Meses antes del estreno de "Elysium", Blomkamp confirmó que su tercer largometraje será "Chappie", otra adaptación de uno de sus cortos, en este caso de "Tetra Vaal".
El reparto
Matt Damon era un intérprete muy poco conocido cuando se estrenó "El indomable Will Hunting" ("Good Will Hunting", Gus Van Sant, 1997), cinta por la que consiguió una nominación a mejor actor y se llevó una estatuilla para casa por haber escrito su guión junto a su amigo Ben Affleck. No tardarían en llegarle grandes oportunidades con títulos como "Salvar al soldado Ryan" ("Saving Private Ryan", Steven Spielberg, 1998) o "El talento de Mr. Ripley" ("The Talented Mr. Ripley", Anthony Minghella, 1999), pero la cinta que comenzó a cimentar su merecida fama de estrella fue "Ocean"s Eleven" (id, Steven Soderbergh, 2001), donde compartió cartel con grandes nombres de Hollywood como Brad Pitt o George Clooney.
Apenas pasaría un año hasta que Matt Damon se convirtió en una creíble estrella del cine de acción con "El caso Bourne" ("The Bourne Identity", Doug Liman, 2002), aunque serían sus dos siguientes entregas las que terminaron de consagrarle. El protagonista de la reivindicable "Rounders" (id, John Dahl, 1998) ha sabido manejarse como pez en el agua desde entonces dentro de los márgenes del cine comercial sin caer nunca en producciones que fracasasen estrepitosamente ya fuese en lo comercial o en lo artístico. Damon conseguiría una nueva nominación al Oscar, en este ocasión como mejor actor secundario, por su participación en "Invictus" (id, Clint Eastwood, 2009) y ha vuelto a colaborar con realizadores de la talla de Steven Soderbergh, Gus Van Sant y Paul Greengrass.
La gran antagonista de Matt Damon en "Elysium" está interpretada por Jodie Foster, doble ganadora del Oscar gracias a sus actuaciones en "Acusados" ("The Acussed", Jonathan Kaplan, 1988) y "El silencio de los corderos" ("The Silence of the Lambs", Jonathan Demme, 1991) y que no se prodiga demasiado en la gran pantalla, ya que hay que remontarse hasta el año 2002 para encontrar la última vez que estrenó más de dos largometrajes durante el mismo año, no teniendo tampoco problema en tomarse largas ausencias de la gran pantalla. Valga por ejemplo el hecho de que no estrenase ni una sola película en 2009 y 2010 o durante el 2000 y el 2001.
El reparto de "Elysium" se completa con la presencia de Alice Braga "El rito" ("The Rite", Mikael H?fström, 2011), Diego Luna "Y tu mamá también" (id, Alfonso Cuarón, 2001), Wagner Moura ,"Tropa de élite" (id, José Padilha, 2007)-, William Fichtner, solvente intérprete secundario del cine comercial al que dentro de poco también podremos ver en "El llanero solitario" ("The Lone Ranger", Gore Verbinski, 2013), y Sharlto Copley dando vida a un enloquecido personaje que no podría tener menos que ver con el que interpretó en la notable "District 9".
Todos los vídeos de "Elysium"
Tráiler en versión original
Tráiler en español
Tráiler extendido en inglés
Tráiler final en versión original
Tráiler final en castellano
El mundo de "Elysium"
Clip de la película
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