Que opina usted? Ayer no termina nunca, por desgracia - 06/05/2013 13:11:40
" Lucharé por ti. Pase lo que pase, lucharé por ti.Se pueden colgar muchos adjetivos a "Ayer no termina nunca" (2013), la nueva propuesta de Isabel Coixet, pero creo que los únicos que nos pondrían a todos de acuerdo son: personal y arriesgada. Cualidades valiosas y reivindicables hay tanta necesidad de gustar al mayor número posible de espectadores que se pierde el atrevimiento a ser diferente que no están relacionadas con la calidad del producto final. De hecho, ésta es una de las películas más tediosas que he visto en los últimos meses. Sin embargo, no me arrepiento de haberla visto, me alegra que se haya hecho y que se haya estrenado.
Lamentablemente, es un film tan simple, singular y deprimente que está condenado a pasar de puntillas por la cartelera, como si su misión estuviera cumplida con haber hecho ruido en festivales se presentó en Berlín y triunfó en Málaga. Aunque ambas han tropezado en taquilla, es un caso totalmente opuesto al de la descaradamente comercial "Combustión" (Daniel Calparsoro, 2013), la otra producción nacional que se estrenó el pasado 26 de abril. Basada en la obra teatral "Gif" de Lot Vekemans, "Ayer no termina nunca" son dos personajes lanzándose reproches durante cien minutos en apenas un par de escenarios. Coixet ha hecho lo que le ha dado la gana, sin importar si iba a interesar o no, y ha recogido los frutos.
Conste que rechazo el encorsetamiento o la limitación de una película para intentar satisfacer a un público masivo a menos que la intención sea llenar salas en todas partes, claro, aprecio ante todo la mirada del autor. Lo que falla en el último trabajo de Coixet no está relacionado con su escaso éxito en cartelera, pero lo comento porque, como se suele decir, no está el horno para bollos, y quizá no era el mejor momento para estrenar algo así. Una sensación que no pude quitarme de la cabeza mientras veía "Ayer no termina nunca" es que era un ensayo filmado. Material por perfilar, por rematar, poco reflexionado y toscamente elaborado, pero aun así aprovechado, como si el esfuerzo y la búsqueda por crear algo tuviesen finalmente más importancia que ese algo.
Una crisis (íntima) dentro de otra crisis (nacional)
Imagino que no fui el único que recibió con sorpresa la noticia de que Coixet tenía entre manos una historia de ciencia-ficción. Así se etiquetó el proyecto, sin concretar mucho más aparte de que la trama giraría en torno a una pareja y que se reflejarían las circunstancias actuales, porque la directora catalana decía que hoy en día vamos al cine con demasiada información lo cual es cierto. Realmente, hay muy poco del género en "Ayer no termina nunca" y lo que hay resulta intrascendente. Podría estar ambientada en este año y sería lo mismo. Puede que solo fuera un cebo… En cualquier caso, el film tiene lugar en el año 2017. Dos personas se reencuentran después de cinco años. ¿Qué les dividió? ¿Por qué se han vuelto a ver?
La excusa es lo de menos, lo relevante son las intensas y contradictorias emociones que despiertan la situación, así como el dolor y el sufrimiento de unas heridas que no han cicatrizado. Poco a poco descubrimos el origen de la pareja y su crisis enmarcada en la que destruye España, una referencia obligada, cómo lo afrontó cada uno y qué ha sido de ellos desde que se separaron. Un problema es que las revelaciones son tópicas y previsibles, pero la mayor torpeza es que el film se centra demasiado en escarbar en la amargura de la mujer y su rechazo al hombre, quedando éste un tanto desconectado Candela Peña está sensacional, eclipsa a un forzado Javier Cámara que solo al final se adueña de su personaje.
La simplicidad del planteamiento hace que la película se estanque enseguida y reincida sobre los mismos temas en un intento por desarrollar un conflicto que podría haber dado mucho más juego si los personajes abarcaran más tiempo y espacio, en lugar de quedarse anclados en ese extraño recinto de cemento, repitiendo lo ya expuesto. A menudo los diálogos suenan a poesía barata y filosofía superficial, con el añadido de que "Ayer no termina nunca" es visualmente aburrida al inicio molesta el nerviosismo de la cámara, que intenta reflejar el ánimo de los protagonistas, aunque al final hay una escena maravillosa centrada en el rostro de ella. Supongo que los seguidores de la cineasta saldrán encantados; a los demás les aconsejo cautela e ir al cine bien descansados.
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Que opina? Oblivion, haciendo aguas por todas partes - 14/04/2013 1:00:20
" Vaya por delante que fui de aquellos que, a la salida de "Tron: legacy" (id, Joseph Kosinski, 2010) defendía más que atacar a una cinta visualmente fascinante que aquejaba no pocas carencias en otros terrenos pero que, en opinión del que esto firma, terminaba salvándose por mor de un primer acto espléndido y un clímax que no le iba a la zaga, elevándose muy por encima de lo que su predecesora, un filme al que el paso de las décadas ha tratado horriblemente mal sobre todo en lo que se refiere a un guión plagado de lagunas incomprensibles, había sido capaz de ofrecer en 1982.No obstante, no me duele en prenda coincidir con aquellos que rechazan de pleno la secuela por adentrarse sin tener necesidad en una absurda mezcla entre filosofía y religión new age que no venía a cuento, y por lo mal aprovechado y me quedo corto que estaba el personaje de Flynn, algo imperdonable si tenemos en cuenta que todo el partido que se podía haber sacado del gran Jeff Bridges se volcaba en explotar las muchas limitaciones en el terreno interpretativo de Garrett Hedlund u Olivia Wilde. Curiosamente, todo lo que acabamos de apuntar sobre "Tron: legacy" es trasladable, de un modo u otro, al nuevo filme de Joseph Kosinski, esta irregularísima cinta de ciencia-ficción post-apocalíptica que es "Oblivion" (id, 2013).
Nos encontramos en la Tierra del año 2077. Un planeta arrasado, supuestamente, por la invasión extraterrestre de una raza conocida como los Saqueadores que destrozó la Luna alterando así por completo la fisionomía de la superficie terráquea y aniquilando a la mayoría de la población mundial. Los que quedaron se han mudado a Titán, una de las lunas de Saturno, mientras que unos pocos han permanecido estacionados en nuestro planeta como vigilantes de unos grandes conversores que extraen toda la energía posible de los océanos y mares.
Uno de los que aún camina por nuestro desolado planeta es el técnico Jack Harper Tom Cruise, un hombre que en sueños recuerda una vida antes de la invasión que es imposible que haya vivido y con la que ha creado ciertas ataduras difíciles de romper. Tras un inesperado (re)encuentro, Jack verá puesta a prueba su voluntad al descubrir que la realidad que le rodea es mucho más terrorífica de lo que podía haber llegado a imaginar.
Desaprovechada de principio a fin. Esa es la mejor manera que se me ocurre para definir a "Oblivion", una cinta que, como apuntaba más arriba, acusa sobremanera el "síndrome "Tron: legacy", haciendo suyos los errores del anterior filme de Kosinski para ofrecer una versión amplificada de los mismos. Unos errores que, a poco que se rasque en su superficie, devuelven llamativas debilidades imposibles de pasar por alto, por más que se trate de una cinta de ciencia-ficción que no una de fantasía, género del que es confeso devoto su máximo artífice.
Huelga decir que, a la vista de lo que cualquiera de los trailers que circulan por la red muestra, la componente visual de la cinta es magnífica, creando el realizador de mano del equipo de efectos digitales tanto un alucinante mundo post-apocalíptico, arrasado por la carencia de la influencia gravitatoria de nuestro satélite, como unos espléndidos diseños de las diversas máquinas y construcciones que pueblan la acción, de frías y depuradas líneas derivadas de las formas básicas de la geometría como demuestra, por ejemplo, ese tetraedro que es el TET.
Más allá de lo que el diseño ofrece se abre, como suele decirse, el abismo. Un abismo que afecta en primera instancia a las interpretaciones, frías y carentes de emoción todas ellas, con errores de casting como el de Olga Kurylenko, incapaz de insuflar vida a un personaje clave en el devenir de la trama; con el gran Morgan Freeman desaprovechado mediante un personaje de poca presencia y cuestionable relevancia en la acción y con un omnipresente Tom Cruise cuya correcta actuación no comporta el suficiente peso como para equilibrar la acusada inclinación de la balanza.
Legado directo de su anterior filme es la estructura con la que Kosinski plantea un desarrollo que incide, de la misma manera que lo hace el reparto, en la transmisión de frías sensaciones al respetable: tras un espectacular arranque apoyado de forma singular en una espléndida partitura compuesta por M83 con claras influencias de Daft Punk y Hans Zimmer nos vemos obligado a soportar el bajonazo de ritmo del que hace gala la exposición de la trama en el segundo acto, no logrando la ligera recuperación del mismo de cara al final que el interés de la platea se recupere lo suficiente como para aceptar la gran cantidad de incoherencias que hasta entonces hemos tenido que tragar.
Y aunque la estructura de montaña rusa que vertebra la cinta no afecte a la dirección de Kosinski, que en todo momento se rige por la regla del máximo espectáculo dejándonos brillantes secuencias como la citada inicial o el ataque de los drones al búnker, no podemos afirmar lo mismo de un guión que descarrila cuántos vagones puede para seguir avanzando, importándole muy poco el lastre que suponen las vagas explicaciones que deja por el camino o las muchas y considerables lagunas que nunca terminan de resolverse.
Es aquí, en el libreto escrito por el director junto a William Monahan, Michael Arndt miedo da lo que esté guionista pueda hacer de cara a la nueva entrega de cierta saga galáctica y Karl Gajdusek donde ese superficial rascado que indicaba más arriba hace más mella en la credibilidad de una historia que se derrumba irremisiblemente merced a la ingente cantidad de sin sentidos que acumula su desarrollo, planteando demasiadas incógnitas como para ser ignoradas.
(Spoilers a mansalva) ¿Por qué hibernaron los astronautas si la TET, la nave extraterrestre, estaba en la órbita de la Tierra? ¿Cuál es el significado oculto tras la aparición de "El mundo de Cristina", el conocido cuadro de Andrew Wyeth, más allá de que nos preguntemos el porqué de su aparición? ¿Cómo es que el Jack del final lleva el uniforme con el número 52 si se suponía que el otro Jack se lo había quitado para no levantar sospechas? ¿Cuáles son los motivos por los que una inteligencia artificial superior capaz de construir unos drones que "huelen" el ADN humano no es capaz de detectar que una nave suya lleva a bordo una bomba capaz de destruirla? ¿A qué se debe la pausa dramática del dron en el búnker a la hora de disparar contra el grupo que encabeza Julia cuando ha matado sin piedad a todo lo que se movía segundos antes?…y así, ad infinitum.
Conjugadas todas estas preguntas con las excesivos prestamos de la cinta por el metraje encontramos innumerables referencias a "2001, una odisea en el espacio" ("2001, a space odissey", Stanley Kubrick, 1969), "Matrix" (id, Larry & Andy Wachowski, 1999) o "La guerra de las galaxias" ("Star wars", George Lucas, 1977), por citar sólo algunas "Oblivion" termina resultando una propuesta fallida que no ofrece nada nuevo al espectador en general y, mucho menos, al amante de la ciencia-ficción, que observa como una buena premisa de partida se queda a medio camino en demasiados frentes.
Otra crítica en Blog de Cine
"Oblivion", diversión, eficacia y reflexión
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Interesante, : La reina de las drogas, alcohol y sexo - 13/11/2012 19:22:00
" La polémica Lady gaga llega a Lima y tocará este 23 de noviembre en el estadio de san marcosLa excéntrica y controvertida cantante neoyorquina Lady Gaga nació el 28 de marzo de 1986 en Manhattan, Nueva York. Su nombre verdadero es Stefani Joanne Angelina Germanotta y desde niña fue criada bajo un régimen católico.
A pesar de que sus padres provenían de una clase económica baja, la estadounidense estudió en el prestigioso colegio Upper West Side. A los 16 años de edad, Gaga empezó a estudiar actuación y canto en la Universidad de Nueva York, pero a los 20 abandonó los estudios para dedicarse a la música. Abandoné a mi familia entera, conseguí el departamento más barato y comí mie... hasta que alguien me escuchara, contó la cantante.
Fan de Madonna y Jackson. La extravagante artista se inició como compositora en el barrio Lower East Side y cautivó al público desde que apareció en escena debido a su estilo musical inspirado en los intérpretes del glam rock David Bowie y Freddie Mercury, así como el dance pop de Madonna y Michael Jackson.
Los críticos de Lady Gaga describen su apariencia como la de una refugiada de Jersey Shore por su larga cabellera, el excesivo maquillaje en los ojos y el uso de la ropa apretada y reveladora. Gaga era naturalmente de cabello castaño, pero se lo aclaró para no ser confundida con Amy Winehouse.
En 2008, la prensa empezó a compararla con su colega Christina Aguilera, quien en tono despectivo dijo que estaba completamente despreocupada en cuanto a Gaga y que no sabía si (era) hombre o mujer.
Dudas sobre su sexualidad. En 2009, durante una entrevista con Barbara Walters para la cadena ABC News, Lady Gaga reveló que era hermafrodita. No es algo de lo que me tenga que avergonzar, simplemente es algo que no voy contando a todo el mundo por ahí. Sí, tengo ambos genitales, los masculinos y los femeninos, pero yo me considero solo hembra, señaló.
Es así que en un festival, un fortuito accidente dejó ver un bulto bajo su traje y de inmediato se afirmó que se trataba de un pequeño pene. Meses después, Lady Gaga hizo otra confesión: admitió en la revista Rolling Stone que era bisexual.
Los amores de Gaga. A pesar de su inminente fama y la gran cantidad de dinero obtenido en su breve carrera musical, la intérprete de 26 años lamentó no haberse sentido querida por sus parejas.
Estoy incapacitada de conocer cómo se siente la felicidad con un hombre. Inicialmente la atracción está y todo es unicornios y arco iris, pero poco después ellos terminan odiándome. Creo que no les intimida mi billetera sino mi cerebro, comentó a la revista Vanity Fair, donde precisó que el músico Luc Carl, con quien estuvo comprometida, era el hombre a quien más había amado en su vida.
En diciembre de 2011, Lady Gaga fue captada pescando con el actor Taylor Kinney, de 30 años, quien interpreta a un vampiro en la serie The Vampire Diaries, a quien conoció durante el rodaje de su video You and I. Según la prensa mundial, Taylor y Gaga estarían pensando en casarse y tener un hijo pronto.
Sin embargo, en octubre de este año, la revista In Touch reveló que la intérprete de Poker Face había regresado a los brazos de Mathew Williams, antiguo consejero y autor de sus más extravagantes trajes, pero la relación no avanzó porque conciliar amor y vida laboral se les hacía muy difícil.
La multipremiada artista reconoció también su miedo a la soledad y a que se cumpla el vaticinio de uno de sus novios: Morirás sola en una casa más grande de lo que te imaginas, con todo tu dinero, pero lo harás sola.
Conflicto con Madonna
En sus inicios, Lady Gaga confesó que admiraba a Madonna por abrir el camino para las estrellas de pop femeninas, pero tras el lanzamiento de la canción Born This Way y la autoproclamarse como La nueva reina del pop, Madonna enfureció y la acusó de plagiar su sencillo de 1989, Express Yourself.
No tengo nada que decir sobre si sus obsesiones tienen que ver conmigo o no, porque no sé si su comportamiento está arraigado en algo profundo y significativo o en algo superficial, declaró Madonna. La reina del pop aprovechó su reciente gira mundial MDNA para burlarse de Gaga desde el escenario en múltiples ocasiones.
Consumo de marihuana. En abril de 2011, la díscola artista admitió en CNN que suelo fumar mucha hierba y beber whisky antes de componer sus canciones. En setiembre de 2012, Lady Gaga captó la atención de la prensa mundial al fumar marihuana en pleno concierto en Amsterdam (Holanda).
Quiero que sepan que ha cambiado totalmente mi vida y he dejado de beber. Ha sido una experiencia espiritual junto a mi música, dijo. Incluso, llegó a bromear con la idea de pedirle al presidente de EE.UU. Barack Obama que reconsidere su posición sobre la legalización del cannabis.
La polémica artista viene en su mejor momento al�Perú y promete causar revuelo.
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Que opina? El ladrón de palabras, creyéndose Paul Auster - 28/10/2012 3:25:02
" El miércoles 31 se estrenará "El ladrón de palabras" ("The Words", 2012), de Brian Klugman yLee Sternthal, una drama moral, protagonizado por Bradley Cooper, Jeremy Irons y Dennis Quaid, que aspira a thriller psicológico y a narrar una historia dentro de otra historia dentro de otra historia, quedándose a las puertas de todas sus pretensiones.
Podría parecer que contar dos historias en una película o novela baja las exigencias en cuanto a interés, ya que con que enganchen la mitad cada una, ya tendremos lo que tienen los demás relatos. Sin embargo, la el listón que presenta esta elección estructural está mucho más arriba que el de la historia única, debido a que, cuando dejamos en suspensión una de las narraciones para pasar a la otra, la nueva tiene que gustar tanto que el fastidio por la interrupción se diluya enseguida, sin por ello llegar a perder la curiosidad para querer retomarla. Y, de la misma forma, cuando se regresa a la primera, esta ha de contar con sucesos tan llamativos y personajes tan atrayentes que no nos importe detener la progresión de la que teníamos entre manos. Y así sucesivamente.
"El ladrón de palabras" no trata de llegar a esto con dos sucesos, sino con tres. En la cabeza de los autores, quizá creían que estaban dando forma a una narración de las que suele firmar Paul Auster, con un escritor como protagonista, con un tremendo conflicto de identidades y de autorías, que llega a trascender las preocupaciones de los personajes y se convierte en una duda razonable, con máquinas de escribir, manuscritos y, sobre todo, con muchísima introspección en las psiques como para que la historia se convierta en un estudio sobre la locura, la obsesión… Las bases para que el film que nos ocupa fuese todo eso y más existen, están ahí. Pero de lo que hacen con ella sus creadores brota un resultado que no se acerca a funcionar ni en uno solo de esos aspectos. Y ni siquiera entretiene.
Las historias se podría decir que están equilibradas, pero porque las tres son igual de irreales y anodinas. Si nos importa poco lo que atañe al aspirante a escritor, cuando los flashbacks nos enseñan lo que sucedía con el auténtico novelista, todavía nos aburrimos más. Y eso que se supone que lo que estamos viendo es lo narrado en ese maravilloso libro por el que merece la pena vender el alma. La parte más contemporánea, aquella desde la que se lee el origen del cruce entre las otras dos primeras, es que no hay por dónde cogerla. Los diálogos remarcan que el ponente es un brillante escritor, pero lo único que nosotros escuchamos de sus labios es literatura de tres al cuarto.
Es difícil creerse a Cooper tanto de joven, como de escritor. Ante él aparece un reto dificilísimo: encarnar con su interpretación, sin ponerlo en palabras, el dilema que cualquier espectador debe entender. Si esto resultase y penetrásemos junto a él en la tremenda disyuntiva, así como en la destrucción de su autoestima, la película tendría un gran valor como psychothriller. Sin embargo, las capacidades del protagonista se quedan cortas para darnos todo aquello de lo que carece el guion, firmado por ambos directores.
Jeremy Irons y Dennis Quaid no fallan con sus trabajos, pero no tienen nada de lo que partir para crear el interés que no ha generado el personaje principal. Junto a estos tres nombres importantes, aparecen actores de no menor talla, como John Hannah, en un papel demasiado breve, Ron Rifkin o J. K, Simmons. Ben Barnes, siempre limitado, aquí resulta tan inexpresivo como Cooper para que la historia pasada llegue a importarnos algo.
Las mujeres, Olivia Wilde y Zoe Saldana, suponen bellas incorporaciones a una historia protagonizada por hombres. No proporcionan más que un oído para escuchar y gracias al que hacer resonar esas palabras del título original. Este, inconscientemente, delata la torpeza del film que, lejos de hacernos partícipes del conflicto interno, necesita exteriorizarlo a través de diálogos. Las mujeres están aquí para eso, son las interlocutoras que escuchan lo que pasa por la mente de sus hombres. Pero incluso cuando un personaje se introduce con una función clara, como pueda ser esta u otra, hay que disimular y dotarlo de personalidad, intereses, gustos, defectos… para que parezca un personaje, no una mera carcasa vacía que cumple un propósito.
En definitiva, una de las peores películas que he visto este año. Resultados de derribo, aburridos y superficiales, que surgen de premisas e ideas estructurales prometedoras. Buenos actores en papeles secundarios que no salvan la papeleta ni para dotar de importancia los pocos momentos de pantalla que gozan. La historia de un escritor que se convierte en "El ladrón de palabras" porque se apropia de la autoría de una obra ajena ya se ha contado en cine y literatura ,se ha visto incluso en la vida real, y siempre con mayor interés que aquí.
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Información: Cannes 2012 | Garrone y la realidad (Reality), Mungiu y el amor (Dup? dealuri) - 19/05/2012 9:41:29
" La tercera jornada aquí en Cannes tuvo dos títulos protagonistas. El primero, "Reality", el nuevo e interesante trabajo de Matteo Garrone; el segundo, "Madagascar 3: De marcha por Europa" ("Madagascar 3: Europe"s Most Wanted"), otra entrega de la exitosa franquicia animada de DreamWorks. ¿Qué narices pinta esto último en el festival de Cannes? Bien, lo que os vengo contando, trae a gente famosa a la Croisette, y eso llama la atención de los medios. Así que vinieron Ben Stiller, Jessica Chastain, Chris Rock, David Schwimmer y varios más, la gente se volvió loca, publicidad, todos contentos. Chastain ha estado hoy en la rueda de prensa de "Lawless", pero ya os hablaré de esa película. No fui a ver la tercera parte de "Madagascar" (ni siquiera he visto entera la primera) pero sí vi otro de los títulos de la sección oficial, "Dup? dealuri", lo nuevo de Cristian Mungiu. Otra vez me pasó lo mismo que los días anteriores, aplaudí el primer film y me aburrió el segundo. Tengo la sensación de que esta 65ª edición es peor que la anterior, de momento."Reality"
-¿Por qué quieres participar en Gran Hermano?
-Para ser rica y famosa.
-Al menos eres sincera…
Sin duda una de las películas más atractivas de las veintidós que compiten en la sección oficial era "Reality", la vuelta de Garrone a Cannes cuatro años después de la famosa "Gomorra", que se llevó el gran premio del jurado en este festival. El realizador italiano ha revelado que quería hacer algo diferente con su séptimo largometraje y se puso a trabajar en una comedia basada en un hecho real. El protagonista es un hombre corriente que empieza a perder la razón cuando intenta participar en una nueva edición del programa televisivo Gran Hermano (Grande Fratello para él). Luciano, encarnado por un carismático y entregado Aniello Arena, es un napolitano que vive apenas de las ganancias de una pequeña pescadería y de pequeños chanchullos en los que implica a sus amigos y vecinos; cae bien a todo el mundo y le gusta actuar y hacer reír. Un día, para contentar a sus hijas, decide presentarse a una audición del popular reality show, y para su sorpresa le llaman para hacer una segunda prueba. Convencido de que va a concursar, lo que le convertirá en toda una celebridad, empieza a prepararse para entrar en "La casa". Desde ese momento comienza a perder contacto con todo lo que le rodea para adentrarse en su propia realidad, una en la que solo existe Gran Hermano.
"Reality" arranca con una espectacular toma aérea donde la cámara, tras ofrecer una panorámica de Nápoles, desciende hasta centrarse en un elemento completamente anacrónico, una lujosa carroza tirada por caballos. La música de Alexandre Desplat (tercera vez que oímos su trabajo en la sección oficial, también participó en "Moonrise Kingdom" y "De rouille et d"os") dota a la escena de un tono mágico, de cuento de hadas. Pronto descubrimos que el carruaje es parte de una excéntrica celebración de boda que continúa con el habitual banquete, donde entra como una estrella del rock un tal Enzo, presentado como un ganador de Gran Hermano. Es un ídolo para esa gente, dice un par de frases ensayadas y se marcha entre aplausos, mientras todos corean su nombre. Luciano, disfrazado para hacer reír a los invitados, observa hipnotizado cómo Enzo sube a un helicóptero y abandona el recinto. Garrone nos ha presentado al personaje principal y su mayor sueño, ser cómo ese tipo famoso, adorado, divertido, ese alguien especial que acepta bajar al suelo y moverse entre los demás mortales por un rato, para deleite de sus fans. Lo que nunca hace Garrone, y por eso funciona el film, es esconder el lado absurdo, superficial y miserable de las celebridades, de estas figuras divinas del pueblo, y de todo lo que las rodea.
Cuando Luciano comienza a obsesionarse con el programa, distorsionando la realidad (piensa que hay espías de la televisión juzgando si es apropiado o no para concursar), queda claro desde el primer momento que está cometiendo un terrible error, que su búsqueda carece de sentido y corre el riesgo de perderlo todo. Garrone no juzga al personaje, pero introduce una serie de escenas donde representa lo que ocurre dentro de "la casa" (que llega a simbolizar el paraíso para el protagonista, de hecho hay una conversación muy divertida con dos mujeres que creen que están hablando de la fe y la muerte) y en la pantalla solo vemos a modelos de ropa interior bailando, haciendo tonterías, metiéndose mano y hablando de sí mismos (como si tuvieran algo que decir…); atractivos muñecos programados para entretener a la audiencia. Es un circo lamentable. Pero se vende como el premio gordo de la lotería, como una gran oportunidad que te puede solucionar la vida para siempre; con la diferencia de que aquí también entra en juego la vanidad y el individualismo, el considerarse lo suficientemente valioso como para tener a los medios a tus pies y una legión de seguidores que morirían por hacerse una foto contigo. Aquí en Cannes puede verse esto a diario, cientos de personas dándose golpes por el autógrafo de alguien que lleva la etiqueta de famoso.
Garrone muestra pero no condena, ni se ceba, su intención es que entendamos lo que siente Luciano, quien cree estar viviendo una aventura fantástica. El mayor problema de esta fábula, en la que inevitablemente uno encuentra rastros de Fellini, es que el guion se queda corto para todo lo que apunta. Visualmente, "Reality" es impecable (Marco Onorato se ocupa de la fotografía), el reparto (compuesto por nombres desconocidos para el gran público, Loredana Simoli, Nando Paone...) actúa con convicción y la primera hora es realmente potente, pero Garrone (ayudado por Maurizio Braucci y Ugo Chiti en la escritura del libreto) no llega a profundizar o ir tan lejos como sería deseable y la película se hace repetitiva, se estanca. Acaba todo con una ligera sensación amarga, de que falta algo, pero quizá esto dependa de cada uno. En cualquier caso el film merece mucho la pena, es ácido y divertido, aunque no sea la maravilla que algunos querían ver (eso pasa por sobrevalorar "Gomorra"). Sería raro que el jurado, presidido por Moretti, otorgara la Palma de Oro a Garrone, pero no es descartable que caiga un premio de menor relevancia.
"Dup? dealuri"
Si puedo evitarlo, trato de no leer nada sobre el argumento de las películas que voy a ver, no solo porque se pueden colar "spoilers" sino porque me gusta que me sorprendan; claro que es inevitable hacerte una idea de qué puedes esperar si has visto algo del director, si conoces más o menos su estilo. No he visto su ópera primera ("Occident") pero sí la aclamada "4 meses, 3 semanas y 2 días", ganadora de la Palma de Oro en 2007 (también me parece un título algo sobrevalorado). Así que tenía claro que "Dup? dealuri", también conocida como "Beyond the Hills" ("más allá de las colinas"), no iba a ser una película fácil de digerir. Y es que además dura dos horas y media. Lo que no me esperaba era bostezar tanto. Se hace eterna. Confiesa Mungiu que, cuando se interesó por la historia, no tenía claro si el material tenía potencial cinematográfico, y que fue dando pasos poco a poco, hasta que terminó la película, y todavía en ese momento seguía dudando de si había tomado la decisión correcta. De hecho, comenta que quiso rodar cuanto antes porque temía que si se lo pensaba dos veces acabaría arrepintiéndose y abandonando el proyecto. No voy a decir que se equivocó por completo, porque hay en "Beyond the Hills" indudables virtudes, hay talento detrás, pero desde luego el cineasta debió contar con un guion más elaborado antes de arrancar, y cortar mucho más de los 30-40 minutos que dice haber suprimido del montaje final.
La película parte de un suceso real ocurrido en Rumanía hace siete años, narrado en dos novelas de Tatiana Niculescu Bran que Mungiu toma como base. La historia gira en torno a dos chicas que crecieron juntas en un orfanato; la solitaria y desamparada Alina (a lo largo del film vemos cómo nadie quiere hacerse cargo de ella) va en busca de su amada Voichita, la única persona que le importa en el mundo, pero ésta ha cambiado desde la última vez que se vieron, ha encontrado a Dios. Voichita es ahora una monja de una pequeña comunidad religiosa ortodoxa y no piensa irse de allí. Alina no lo entiende. Primero intenta convencer a su amiga de que está siguiendo un culto absurdo, luego trata de implicarse y unirse al grupo, pero no sirve de nada y empieza a desesperarse, poniendo en apuros a la nueva familia de Voichita… Y prácticamente eso es todo lo que ocurre hasta los últimos minutos (donde pasa lo que uno está esperando desde hace una hora). Mungiu dice haber buscado con "Beyond the Hills" un estilo más literario que cinematográfico, en el sentido de que los detalles o los sucesos irrelevantes tienen suma importancia para trasladar al espectador a un mundo ficticio y hacer creíbles a los personajes. Esto lo consigue. La película parece un documental con individuos auténticos. La comunidad se construyó para el film pero da la sensación de que lleva ahí en la montaña desde hace décadas y que esas monjas creen firmemente todo lo que dicen. Cosmina Stratan y Cristina Flutur debutan en cine bordando sus papeles. Así que ahí está el interés, observar y comprender. Presenciar los hechos como un testigo invisible; la cámara suele quedarse quieta, siendo los actores los que se mueven, saliendo y entrando en el encuadre durante largas tomas. No veo la necesidad de un metraje tan extenso, lo único que hace es cansar al espectador. Cuidado los que vayáis al festival de Sitges este año, tiene pinta de que la pueden programar con la excusa de escenas en las que caben dobles interpretaciones.
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Que opina usted? Mirror, mirror, tráiler de la otra nueva versión de Blancanieves - 16/11/2011 7:36:49
" No sé el motivo, pero de vez en cuando las majors de Hollywood lanzan casi al mismo tiempo dos películas con argumentos similares o directamente clónicos. En su momento llegó a estar casi de moda el hacer esto al coincidir en un espacio temporal reducido los casos de "Deep impact" y "Armageddon", "Antz (Hormigaz)" y "Bichos, una aventura en miniatura" y "Volcano" y "Un pueblo llamado Dante"s Peak", pero acabó remitiendo y ahora no alcanzo a recordar ningún otro caso famoso en los últimos años. No obstante, Hollywood siempre está atento a recordar tiempos pasados y no sólo a través de remakes, por lo que la nueva batalla a muerte por la taquilla (aquí lo artístico es, como mucho, algo secundario) es para ver qué nueva versión de Blancanieves se lleva el gato al agua: "Blancanieves y la leyenda del cazador", cuyo tráiler pudimos ver hace unos días, o "Mirror, mirror", la película que ahora nos ocupa.Otro punto en común de la aparición casi simultánea de dos películas con idéntico argumento era que se solía optar por un tono similar. Cierto que eso más discutible en el caso de "Deep impact" y "Armageddon", pero al final ambas acababan potenciando el apartado dramático de la historia. Sin embargo, eso es algo de lo que parece haber aprendido Hollywood, porque las dos futuras aproximaciones a la figura de Blancanieves difícilmente podrían aparentar ser más diferentes. Mientras que "Blancanieves y la leyenda del cazador" apuesta por un tono más oscuro dando la sensación de que la épica (quizá demasiado influenciada por "El señor de los anillos", todo hay que decirlo) y el suspense van a ser el eje de la acción, en "Mirror mirror" se opta por un tono más luminoso, muy acorde con el de la estupenda "The Fall: El sueño de Alexandria", película con la que comparte director, el indio Tarsem Singh
Una vez visto el tráiler, no termino de decidir si me ha gustado lo que he visto o no. Es obvio que el apartado visual seguramente sea una delicia para la vista, pero eso no es suficiente si el resto de la película no sabe estar a la altura, y ése es mi gran miedo. En el tráiler veo muy suelta a Julia Roberts y seguramente su malvada (y superficial) reina acabe siendo siendo muy divertida, pero al mismo tiempo afecte muy seriamente a la necesidad de verla como una amenaza. Y es que a mí no me atraen demasiado los villanos de tres al cuarto, menos todavía si van unidos a una trama romántica a tres bandas con mucho peso en la historia, la cual todos sabemos cómo va a acabar. Además, y espero que no me caigan palos por esto, creo que la credibilidad de Lily Collins como Blancanieves se ciñe a la idea de convertirla en alguien inocente y vulnerable, y a mí me interesan más las heroínas con cierta complejidad, algo que sí parece que puede darnos la Blancanieves de Kristen Stewart. Veremos si el resto del reparto, donde destacan los nombres de Sean Bean y Nathan Lane, consigue equilibrarlo.
En definitiva y teniendo únicamente en consideración los tráilers que hemos visto hasta ahora, me da la sensación de que "Mirror, mirror", que se estrena el 16 de marzo del 2012 en USA (casi mes y medio antes que su competidora), va a ser la que salga perdiendo, tanto a nivel artístico como en taquilla. ¿Qué opináis vosotros?
PD: Muchas gracias a Lunática y jemoen por el aviso.
Vía | Slashfilm
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